Alma Duncan Salon / Hall Alma Duncan (10, avenue Daly Avenue)

Alma Duncan Salon / Hall Alma Duncan (10, avenue Daly Ave)

Alma Duncan Salon / Hall Alma Duncan (10, avenue Daly Avenue)

Speakers / Intervenant·e·s : Przemysław Jasielski (Poland / Pologne), Borut Jerman (Slovenia / Slovénie) + Isabella Salas (Canada / Mexico / Mexique)

Moderator / Modératrice : Megan Smith (Canada)

• Przemysław Jasielski is a visual artist working at the intersection of engineering, art, and science. Many of his projects explore the contemporary art–science paradigm, treating art as an experimental scientific practice while approaching science through the lens of contemporary art theory. His work spans a range of technologies, from simple paper-based architectural constructions to complex artificial life–management systems.

  Born in 1970, Jasielski studied at the State Higher School of Visual Arts (now the University of Fine Arts) in Poznań from 1989 to 1994, graduating with diplomas in sculpture (under Professor Jan Berdyszak) and drawing (under Professor Jarosław Kozłowski). Since the 1990s, he has been creating installations, objects, drawings, and auteur machines with unusual and surprising functions. His work has been exhibited internationally, including in Canada, the United States, the United Kingdom, Korea, Japan, and the Czech Republic.

  Jasielski’s practice engages in an ongoing dialogue with contemporary definitions of technology and science, and their interrelation in post-technological culture. His work can be understood not only as critical practice but also as the creation of prototypes for artificial life and artificial intelligence, framed within biomimetics and post-humanist discourse.

  His installation was featured in the Polish Pavilion at the Gwangju Biennale (2024), where it ironically dissects the entanglement of civilizational ambitions and their tangible and imagined consequences. Jasielski constructs his own machines for image-making, drawing on a rich spectrum of visual representations of the future—from modernist and socialist-realist to pop culture and science-fiction references. His work provocatively questions whether the future looks back to the past or vice versa. Simultaneously, it explores the aesthetics of technological progress as experienced from diverse Polish and peripheral perspectives. The original design of the installation was conceived for the unrealized concept of the Polish Pavilion at La Biennale di Venezia by Prof. Agnieszka Jelewska and Dr. Michał Krawczak.

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  Przemysław Jasielski est un artiste visuel travaillant à l’intersection de l’ingénierie, de l’art et de la science. Nombre de ses projets explorent le paradigme art–science contemporain, traitant l’art comme une pratique scientifique expérimentale tout en abordant la science à travers le prisme de la théorie artistique contemporaine. Son travail utilise une gamme de technologies, allant de constructions architecturales simples en papier à des systèmes complexes de gestion de vie artificielle.

  Né en 1970, Jasielski a étudié à l’École supérieure des arts visuels de Poznań (aujourd’hui Université des beaux-arts) de 1989 à 1994, où il a obtenu des diplômes en sculpture (atelier du professeur Jan Berdyszak) et en dessin (atelier du professeur Jarosław Kozłowski). Depuis les années 1990, il crée des installations, objets, dessins et machines d’auteur aux fonctions inhabituelles et surprenantes. Son travail a été présenté à l’international, notamment au Canada, aux États-Unis, au Royaume-Uni, en Corée, au Japon et en République tchèque.

  La pratique de Jasielski entretient un dialogue constant avec les définitions contemporaines de la technologie et de la science, ainsi qu’avec leurs relations mutuelles dans la culture post-technologique. Son travail peut être compris non seulement comme une pratique critique, mais également comme la création de prototypes de vie artificielle et d’intelligence artificielle, dans le cadre de la biomimétique et du post-humanisme.

  Son installation a été présentée dans le Pavillon polonais à la Biennale de Gwangju (2024), où elle dissèque de manière ironique l’entrelacement des ambitions civilisationnelles et de leurs conséquences réelles et imaginées. Jasielski construit ses propres machines pour la création d’images, s’inspirant d’un large spectre de représentations visuelles du futur – du modernisme et du réalisme socialiste à la culture pop et aux références de science-fiction. Son travail interroge de manière provocante si le futur se tourne vers le passé ou l’inverse. Parallèlement, il explore l’esthétique du progrès technologique telle qu’elle est perçue depuis des perspectives polonaises et périphériques variées. La conception originale de l’installation a été pensée pour le concept non réalisé du Pavillon polonais à La Biennale de Venise par la professeure Agnieszka Jelewska et le Dr Michał Krawczak.

  Przemysław Jasielski’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Poland. / La participation de Przemysław Jasielski à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade de la Pologne.

• Borut Jerman is the president of the Association for Culture and Education PiNA, where his work focuses on the creative industries, participation, culture, art, and critical reflection. He is an experienced planner, coordinator, and leader of national and international projects spanning art, culture, active citizenship, and creative innovation.

  Jerman leads the HEKA Art & Science Laboratory and serves as producer of the new media art festival IZIS. In recent years, his work has centered on developing HEKA as a platform for dialogue and collaboration between society and science through art and artistic thinking. HEKA’s guiding principle is to bring empathy, curiosity, and compassion—qualities intrinsic to art—into scientific research methodologies.

  At the core of his practice is the recognition that technology, art, and the economy continuously shape both individuals and society, and that fostering exchange across disciplines is key to addressing today’s complex challenges.

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  Borut Jerman est président de l’Association pour la Culture et l’Éducation PiNA, où son travail se concentre sur les industries créatives, la participation, la culture, l’art et la réflexion critique. Il possède une solide expérience en planification, coordination et direction de projets nationaux et internationaux dans les domaines de l’art, de la culture, de la citoyenneté active et de l’innovation créative.

  Jerman dirige le HEKA Art & Science Laboratory et est producteur du festival d’art des nouveaux médias IZIS. Ces dernières années, son travail s’est focalisé sur le développement de HEKA en tant que plateforme de dialogue et de collaboration entre la société et la science à travers l’art et la pensée artistique. Le principe directeur de HEKA est d’introduire l’empathie, la curiosité et la compassion — des qualités intrinsèques à l’art — dans les méthodologies de recherche scientifique.

  Au cœur de sa pratique se trouve la conviction que la technologie, l’art et l’économie façonnent en permanence les individus comme la société, et que favoriser les échanges interdisciplinaires est essentiel pour relever les défis complexes d’aujourd’hui.

  Borut Jerman’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Slovenia / La participation de Borut Jerman à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade de la Slovénie.

• Isabella Salas works at the intersection of memory, media, and ecology.

  Born in Mexico City and now based on Turtle Island, her practice explores the fractures and frequencies of our time through experimental cinema, AI-assisted image-making, and immersive forms that entwine technology with ecological and ethical principles.

  Her work attunes itself to the quiet tension between what has vanished and what insists on remaining.

  As co-founder of the International Digital Arts Alliance and co-creator of smART: the collective memory of digital arts, Salas develops frameworks for collaboration that move across borders, disciplines, and histories. Her projects often unfold in the space between institutions and underground networks, weaving together artistic research, ethical inquiry, and attentive forms of practice.

  At the core of her work lies what she calls “soft resistance”: the conviction that care is political, that presence can be a form of force, and that not all futures must be accelerated.

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  Isabella Salas œuvre à l’intersection de la mémoire, des médias et de l’écologie.

  Née à Mexico et aujourd’hui basée sur l’Île de la Tortue, sa pratique explore les fractures et les fréquences de notre époque à travers le cinéma expérimental, la création d’images assistée par l’IA et des formes immersives qui lient intimement technologie, principes écologiques et éthiques.

  Son travail s’accorde à la tension subtile entre ce qui a disparu et ce qui insiste à demeurer.

  Cofondatrice de l’International Digital Arts Alliance et co-créatrice de smART : la mémoire collective des arts numériques, Salas développe des cadres de collaboration qui traversent frontières, disciplines et histoires. Ses projets se déploient souvent dans l’entre-deux des institutions et des réseaux souterrains, tissant recherche artistique, réflexion éthique et pratiques attentives.

  Au cœur de son travail se trouve ce qu’elle appelle une « résistance douce » : la conviction que le soin est politique, que la présence peut être une force et que tous les futurs n’ont pas besoin d’être accélérés.

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Alma Duncan Salon / Hall Alma Duncan (10, avenue Daly Avenue)

Speakers / Intervenant·e·s : Jacob Kirkegaard (Denmark / Danemark), Fiona McDonald (Ireland / Irelande) + Swamp_Matter (Netherlands – Slovenia / Pays-Bas – Slovénie)

Moderator / Modératrice : Cindy Stelmackowich

• The work of Jacob Kirkegaard investigates ways to reflect on complex, often overlooked or inaccessible conditions and environments. His projects have addressed themes such as radioactivity in Chernobyl, melting ice in the Arctic, border walls in both literal and metaphorical contexts, immersive acoustic explorations of global waste management, and the processes surrounding human death.

  In recent work, Kirkegaard has explored the sounds of warfare, orchestrating recordings of firearms, grenades, and tanks for the Royal Lifeguard’s Music Corps. Another recent project examines the mechanical elements of agriculture and food production, revealing the hidden rhythms of industrial processes.

  Since 2006, he has also been researching, recording, and creating works using otoacoustic emissions—tones generated by the human ear itself.

  At the core of Kirkegaard’s practice is the translation of intangible phenomena into tangible sound. His method consistently draws on sound recordings as a means to make perceptible the unseen or otherwise inaccessible aspects of the world.

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  Le travail de Jacob Kirkegaard explore des moyens de réfléchir à des conditions et environnements complexes, souvent ignorés ou inaccessibles. Ses projets ont abordé des thèmes tels que la radioactivité à Tchernobyl, la fonte des glaces dans l’Arctique, les murs frontaliers dans des contextes à la fois littéraux et métaphoriques, des explorations acoustiques immersives de la gestion mondiale des déchets, ainsi que les processus liés à la mort humaine.

  Dans ses travaux récents, Kirkegaard a exploré les sons de la guerre, orchestrant des enregistrements d’armes à feu, de grenades et de chars pour le Royal Lifeguard’s Music Corps. Un autre projet récent examine les éléments mécaniques de l’agriculture et de la production alimentaire, révélant les rythmes cachés des processus industriels.

  Depuis 2006, il recherche, enregistre et crée également des œuvres à partir des émissions otoacoustiques — des sons générés par l’oreille humaine elle-même.

  Au cœur de la pratique de Kirkegaard se trouve la traduction de phénomènes intangibles en sons tangibles. Sa méthode repose sur l’utilisation d’enregistrements sonores pour rendre perceptibles des aspects invisibles ou autrement inaccessibles du monde.

  Jacob Kirkegaard’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Denmark. / La participation de Jacob Kirkegaard à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade du Danemark.

• Fiona McDonald is a Dublin-based interdisciplinary artist whose practice bridges art, science, and technology. She holds a BSc in Biological Chemistry (University of Ulster), a BA and MA in Fine Art (NCAD), and an MSc in Multimedia Systems (Trinity College Dublin).

  She is currently an Artist in Residence at the RHA Gallery Studios and a recipient of the Arts Council of Ireland Project Award (2023). Previous residencies include AIR in Innovation and Technology at Talent Garden, DCU Alpha Campus (2020–21); An Urgent Enquiry Artist Residency (2019); and Art in Science Residency at UCD Parity Studios (2016). She has also held residencies at Fire Station Artists’ Studios (Digital Media Residency) and Temple Bar Gallery & Studios (Project Studio Award). From 2016 to 2019, she was a visiting research assistant with the Orthogonal Methods Group at CONNECT, the Science Foundation Ireland research centre for future communication networks.

  McDonald’s recent exhibitions include the solo show Transcoding – The Living Mountain (Talent Garden, DCU Alpha Campus); Woman in the Machine (VISUAL Carlow, 2021), where she received the ARTWORK Prize; In the Age of Conscious Makers (NCAD Gallery, 2020); Gateways (Roscommon Arts Centre, 2018, curated by Linda Shevlin); In Case of Emergency (Science Gallery Dublin, 2017–18); Light Lines (Mermaid Arts Centre, 2017); Quantum Leap (Foundation15, 2015); and U-turn (The Library Project, 2015).

  Her work has also been shown in group exhibitions at Broadstone Studios, the LAB, Green on Red Gallery, Hugh Lane Gallery, the Digital Hub, and the Drawing Project Dublin, as well as internationally in Copenhagen, Paris, New York, Los Angeles, and at the Cologne Art Fair. Her work is held in public and private collections including AIB, UCD, the Digital Hub, Thomas Street Dublin, Scott Tallon Walker Architects, and Arc.

  Alongside her artistic practice, McDonald has lectured at NCAD on the MA in Interactive Design, MA in Art in the Digital World, and BA Media Studies, as well as teaching at IADT and DIT. She co-delivered lectures on Critical Practices of Environment and Ecology at NCAD in 2021–22.

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  Fiona McDonald est une artiste interdisciplinaire basée à Dublin dont la pratique établit des passerelles entre l’art, la science et la technologie. Elle est titulaire d’un BSc en chimie biologique (University of Ulster), d’un BA et d’un MA en arts visuels (NCAD), ainsi que d’un MSc en systèmes multimédias (Trinity College Dublin).

  Elle est actuellement artiste en résidence aux RHA Gallery Studios et lauréate du Project Award du Arts Council of Ireland (2023). Elle a précédemment participé à plusieurs résidences, notamment : AIR en innovation et technologie à Talent Garden, DCU Alpha Campus (2020–21) ; An Urgent Enquiry Artist Residency (2019) ; et Art in Science Residency à UCD Parity Studios (2016). Elle a également été en résidence au Fire Station Artists’ Studios (résidence en médias numériques) et au Temple Bar Gallery & Studios (Project Studio Award). De 2016 à 2019, elle a été assistante de recherche invitée au sein du Orthogonal Methods Group du CONNECT, centre de recherche de la Science Foundation Ireland dédié aux réseaux de communication du futur.

  Ses expositions récentes incluent sa présentation personnelle Transcoding – The Living Mountain (Talent Garden, DCU Alpha Campus) ; Woman in the Machine (VISUAL Carlow, 2021), où elle a reçu le prix ARTWORK ; In the Age of Conscious Makers (NCAD Gallery, 2020) ; Gateways (Roscommon Arts Centre, 2018, commissaire : Linda Shevlin) ; In Case of Emergency (Science Gallery Dublin, 2017–18) ; Light Lines (Mermaid Arts Centre, 2017) ; Quantum Leap (Foundation15, 2015) ; et U-turn (The Library Project, 2015).

  Son travail a également été présenté dans des expositions collectives à Broadstone Studios, the LAB, Green on Red Gallery, Hugh Lane Gallery, the Digital Hub et the Drawing Project Dublin, ainsi qu’à l’international à Copenhague, Paris, New York, Los Angeles et à la foire d’art de Cologne. Ses œuvres font partie de collections publiques et privées, notamment celles de AIB, UCD, the Digital Hub, Thomas Street Dublin, Scott Tallon Walker Architects et Arc.

  Parallèlement à sa pratique artistique, McDonald a enseigné à la NCAD dans le cadre du MA en design interactif, du MA en art dans le monde numérique et du BA en études médiatiques, ainsi qu’à l’IADT et au DIT. Elle a également co-animé, en 2021–22, des cours sur les pratiques critiques de l’environnement et de l’écologie à la NCAD.

• Swamp_Matter is the collaborative duo of Eva Garibaldi and Ana Laura Richter, whose work investigates ecological issues and the impact of the Anthropocene on ecosystems. Their practice examines the relationship between humans and nature across geological time, focusing on marginal and economically “unproductive” landscapes such as swamps and caves. They create immersive spatial installations that integrate digital media and speculative fiction.

  Eva Garibaldi, born in 1996 in Ljubljana, Slovenia, is an artist, designer, and researcher. She holds a Master’s in Interior Architecture: Research + Design (Cum Laude, 2021) from the Piet Zwart Institute (Netherlands) and a BA in Industrial Design from the Academy of Fine Arts and Design Ljubljana (2018).

  Ana Laura Richter, born in 1996 in Ljubljana, Slovenia, is an artist and dramaturg. She earned her MA in Ecology Futures (2022) at St. Joost School of Art & Design (Netherlands) and a BA in Dramaturgy from the Academy of Theatre, Radio, Film, and Television (2019).

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  Swamp_Matter est le duo collaboratif composé d’Eva Garibaldi et d’Ana Laura Richter, dont le travail explore les enjeux écologiques et l’impact de l’Anthropocène sur les écosystèmes. Leur pratique examine la relation entre l’humain et la nature à l’échelle du temps géologique, en se concentrant sur des paysages marginaux et économiquement « non productifs », tels que les marais et les cavernes. Ils créent des installations spatiales immersives intégrant médias numériques et fiction spéculative.

  Eva Garibaldi, née en 1996 à Ljubljana, Slovénie, est artiste, designer et chercheuse. Elle est titulaire d’un Master en Architecture Intérieure : Recherche + Design (Cum Laude, 2021) du Piet Zwart Institute (Pays-Bas) et d’un BA en Design Industriel de l’Academy of Fine Arts and Design Ljubljana (2018).

  Ana Laura Richter, née en 1996 à Ljubljana, Slovénie, est artiste et dramaturge. Elle a obtenu son MA en Ecology Futures (2022) à la St. Joost School of Art & Design (Pays-Bas) et un BA en Dramaturgie de l’Academy of Theatre, Radio, Film, and Television (2019).

  Swamp_Matter’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Slovenia, the Ministry of Higher Education, Science and Innovation of the Republic of Slovenia and the Creative Industries Fund NL. / La participation de Swamp_Matter à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade de la Slovénie, le Ministère de l’enseignement supérieur, de la science et de l’innovation de la République de Slovénie et le Creative Industries Fund NL.

Alma Duncan Salon / Hall Alma Duncan (10, avenue Daly Avenue)

Speakers / Intervenant·e·s : Barry Ace (Canada), Fabien Léaustic (France) + Felix Lenz (Austria / Autriche)

Moderator / Modérateur : Adrian Harewood (Canada)

• Barry Ace is a practicing visual artist currently based in Ottawa. He is a debendaagzijig (citizen) of M’Chigeeng First Nation, Odawa Mnis (Manitoulin Island), Ontario, Canada. Ace’s work embraces the impact of the digital age and how it exponentially transforms and infuses Anishinaabeg culture (and other global cultures) with new technologies and new ways of communicating. His work attempts to harness and bridge the precipice between historical and contemporary knowledge, and art and power, while maintaining a distinct Anishinaabeg aesthetic connecting generations.

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  Barry Ace est un artiste visuel actuellement établi à Ottawa. Il est debendaagzijig (membre) de la Première Nation M’Chigeeng à Odawa Mnis (île Manitoulin), en Ontario, Canada. Le travail de Barry Ace porte sur les impacts de l’ère numérique, notamment sur la façon dont celle-ci transforme et imprègne de plus en plus la culture anishinaabeg (et d’autres cultures partout dans le monde) par l’entremise des nouvelles technologies et des nouveaux modes de communication. Dans ses œuvres, il tente d’explorer et de combler le fossé qui existe entre savoirs anciens et contemporains, art et pouvoir, tout en conservant une esthétique propre à la culture anishinaabeg qui relie les générations.

• Fabien Léaustic conducts research at the intersection of the arts, sciences, and contemporary anthropology.

  He exhibits his work in France and abroad, in public institutions such as the Palais de Tokyo, the Centquatre in Paris, the Zentrum für Kunst und Medien in Karlsruhe, the Casa de Velazquez in Madrid, and the FRAC Franche-Comté in Besançon, as well as in independent venues such as the Fondation Vasarely in Aix-en-Provence and the Espace Pierre-Cardin in Paris.

  His work is also shown at major French new media art events such as the Némo Biennale and the Chronique Biennale.

  But his artistic commitment to reconciling environmental, social, and subjective ecologies makes him a reference in the field of artistic practices that integrate living organisms, eco-design, and the promotion of the various actors involved in his creative process.

  After two years in residence at the Cité Internationale des Arts in Paris, in the Marais and then in Montmartre, Fabien Léaustic joined the SACRe (Sciences, Art, Creation, Research) program at the Paris Sciences et Lettres research university, where he obtained his PhD in 2023.

  With the unique distinction of also being a graduate of an engineering school, Fabien Léaustic develops collaborations with scientific laboratories and explores the major issues of the Anthropocene era through biotechnology, cellular biology, and space exploration.

  His practice also draws on industrial expertise in the fields of agri-food, energy production, and extractive techniques to explore the ontological questions of the 21st century.

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  Fabien Léaustic mène une recherche à l’intersection des arts, des sciences et de l’anthropologie contemporaine.

  Il expose son travail en France ou à l’étranger, dans des institutions publiques comme le Palais de Tokyo, le Centquatre à Paris, le Zentrum für Kunst und Medien de Karlsruhe, la Casa de Velazquez à Madrid, le FRAC Franche-Comté à Besançon, ou dans des structures indépendantes telles que la Fondation Vasarely à Aix-en-Provence ou l’Espace Pierre-Cardin Paris.

  Son œuvre est aussi montrée à l’occasion des plus grandes manifestations françaises d’art nouveaux- médias comme la biennale Némo ou encore la biennale Chronique.

  Mais son engagement artistique pour la réconciliation des écologies environnementale, sociale et subjective fait de lui une référence dans le champ des pratiques artistiques qui intègrent le vivant, l’écoconception et la valorisation des divers acteurs intervenant dans son processus de création.

  Après deux années de résidence à la cité internationale des Arts de Paris, dans le Marais puis à Montmartre, Fabien Léaustic intègre le programme SACRe (Sciences, Art, Création, Recherche) de l’université de recherche Paris Sciences et Lettres où il obtient son doctorat en 2023.

  Présentant comme particularité d’être aussi diplômé d’une école d’ingénieur, Fabien Léaustic développe des collaborations avec des laboratoires scientifiques et explore les grandes problématiques de l’ère anthropocène au travers des biotechnologies, de la biologie cellulaire ou encore de l’exploration spatiale.

  Sa pratique puise également dans les savoirs faires industriels des domaines de l’agro-alimentaire, de la production énergétique, ou des techniques extractivistes pour sonder les questions ontologiques du XXIe siècle.

  Fabien Léaustic'’s participation at SCI_ART is generously funded by the Institut français du Canada. / La participation de Fabien Léaustic à SCI_ART est généreusement financée par l’Institut français du Canada.

• Felix Lenz is a research-driven artist and filmmaker based in Vienna. Their practice explores how systems of image-making and knowledge production shape the very environments they seek to describe. Working through installations, films, and cross-disciplinary strategies, Lenz interweaves geopolitical, ecological, and technological analysis to reveal underlying power structures, question dominant narratives, and propose new modes of sensing and understanding.

  Their films and installations have been presented internationally at the Beijing Art and Technology Biennale, London Design Biennale, Istanbul Design Biennale, Ars Electronica Festival, Digital Art Festival Zurich, European Forum Alpbach, Hyundai Motor Studio Busan, Biennale Warszawa, and the Vienna Biennale, among others. Their work is also held in the permanent collection of the Museum of Applied Arts Vienna. In 2024, Lenz received the Outstanding Artist Award from the Austrian Ministry of Arts and Culture, and in 2025 represented Austria at the 24th Triennale Milano International Exhibition.

  Alongside their artistic practice, Lenz has been invited to lecture and lead workshops at institutions including the Royal College of Art (London), Design Academy Eindhoven, Humboldt University (Berlin), Universidad de Buenos Aires, and the University of Applied Arts Vienna, where they also completed their master’s degree.

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  Felix Lenz est un artiste et cinéaste basé à Vienne dont la pratique s’appuie sur la recherche. Son travail interroge la manière dont les systèmes de production d’images et de savoir façonnent les environnements mêmes qu’ils prétendent décrire. À travers des installations, des films et des approches transdisciplinaires, Lenz tisse des analyses géopolitiques, écologiques et technologiques afin de révéler les structures de pouvoir sous-jacentes, questionner les récits dominants et proposer de nouveaux modes de perception et de compréhension.

  Ses films et installations ont été présentés à l’international, notamment à la Biennale d’art et technologie de Pékin, la London Design Biennale, la Istanbul Design Biennale, le festival Ars Electronica, le Digital Art Festival Zurich, le European Forum Alpbach, le Hyundai Motor Studio Busan, la Biennale Warszawa et la Vienna Biennale, entre autres. Son travail fait également partie de la collection permanente du Museum of Applied Arts de Vienne. En 2024, Lenz a reçu l’Outstanding Artist Award du ministère autrichien des Arts et de la Culture, et en 2025 il a représenté l’Autriche à la 24e Exposition internationale de la Triennale de Milan.

  Parallèlement à sa pratique artistique, Lenz a été invité à donner des conférences et à animer des ateliers dans plusieurs institutions, parmi lesquelles le Royal College of Art (Londres), la Design Academy Eindhoven, l’Université Humboldt (Berlin), l’Universidad de Buenos Aires et l’Université des arts appliqués de Vienne, où il a également obtenu son master.

  Felix Lenz’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Austria. / La participation de Felix Lenz à SCI_ART est généreusement financée par l’Ambassade d’Autriche.

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Artengine (67, rue Nicholas Street)

Fabien Léaustic (France)

By invitation only / Sur invitation uniquement

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Speakers / Intervenant·e·s : Teresa Almeida (Portugal), Luca Spano (Italy / Italie) + Yolanda Uriz (Netherlands / Pay-Bas)

Moderator / Modératrice : Charlene Lau Ahier

• Teresa Almeida is an artist and researcher whose practice bridges art, science, and technology. Her work explores the creative and material possibilities of glass, with a particular focus on luminescent glass and enamels developed during her doctoral and postdoctoral research. She is equally engaged with ecological art, the intersections of craft and technology, and collaborative projects between artists and scientists.

  Almeida holds a Master’s in Glass from the University of Sunderland, UK, and postgraduate certificates in Glass and Architecture and Glass and Fine Art from Central Saint Martin’s College, London. She earned her BA in Fine Art Painting at the University of Porto, where she has taught since 2009. Currently, she coordinates the technical area for glass, ceramics, and mosaic, and serves on both the Scientific Committee of the Master’s in Fine Arts and the Department Council of Fine Arts.

  She is an active member of the VICARTE Research Unit “Glass and Ceramics for the Arts,” where she previously served as artistic coordinator of the Contemporary Creativity and Materials group (2014–2019) and on the board of directors (2013–2018). She is also affiliated with i2ADS – Research Institute in Art, Design and Society at the University of Porto.

  Almeida has received international recognition, including the Prémio Femina (2013), an Honorable Mention at the Jutta Cuny Franz Memorial Award, Düsseldorf (2009), and multiple national awards. Her work has been presented in exhibitions and conferences across Europe, the Americas, Asia, and Australia, and is represented in both public and private collections.

  Her professional development has been supported by scholarships and grants from the Pilchuck Glass School, the Studio of the Corning Museum of Glass, the Luso-American Foundation, and the Portuguese National Science Foundation.Teresa Almeida is an artist and researcher whose practice bridges art, science, and technology. Her work explores the creative and material possibilities of glass, with a particular focus on luminescent glass and enamels developed during her doctoral and postdoctoral research. She is equally engaged with ecological art, the intersections of craft and technology, and collaborative projects between artists and scientists.

  Almeida holds a Master’s in Glass from the University of Sunderland, UK, and postgraduate certificates in Glass and Architecture and Glass and Fine Art from Central Saint Martin’s College, London. She earned her BA in Fine Art Painting at the University of Porto, where she has taught since 2009. Currently, she coordinates the technical area for glass, ceramics, and mosaic, and serves on both the Scientific Committee of the Master’s in Fine Arts and the Department Council of Fine Arts.

  She is an active member of the VICARTE Research Unit “Glass and Ceramics for the Arts,” where she previously served as artistic coordinator of the Contemporary Creativity and Materials group (2014–2019) and on the board of directors (2013–2018). She is also affiliated with i2ADS – Research Institute in Art, Design and Society at the University of Porto.

  Almeida has received international recognition, including the Prémio Femina (2013), an Honorable Mention at the Jutta Cuny Franz Memorial Award, Düsseldorf (2009), and multiple national awards. Her work has been presented in exhibitions and conferences across Europe, the Americas, Asia, and Australia, and is represented in both public and private collections.

  Her professional development has been supported by scholarships and grants from the Pilchuck Glass School, the Studio of the Corning Museum of Glass, the Luso-American Foundation, and the Portuguese National Science Foundation.

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  Teresa Almeida est une artiste et chercheuse dont la pratique établit des passerelles entre l’art, la science et la technologie. Son travail explore les potentialités créatives et matérielles du verre, avec un intérêt particulier pour le verre luminescent et les émaux développés au cours de ses recherches doctorales et postdoctorales. Elle s’intéresse également à l’art écologique, aux intersections entre artisanat et technologie, ainsi qu’aux projets collaboratifs entre artistes et scientifiques.

  Almeida est titulaire d’un master en verre de l’Université de Sunderland, au Royaume-Uni, ainsi que de certificats postuniversitaires en verre et architecture et en verre et beaux-arts du Central Saint Martin’s College de Londres. Elle a obtenu son BA en peinture aux Beaux-Arts de l’Université de Porto, où elle enseigne depuis 2009. Elle coordonne actuellement le domaine technique du verre, de la céramique et de la mosaïque, et siège à la fois au comité scientifique du Master en Beaux-Arts et au conseil départemental des Beaux-Arts.

  Elle est membre active de l’unité de recherche VICARTE « Verre et Céramique pour les Arts », où elle a précédemment occupé le poste de coordinatrice artistique du groupe Créativité contemporaine et matériaux (2014–2019) et siégé au conseil d’administration (2013–2018). Elle est également affiliée à l’i2ADS – Institut de recherche en Art, Design et Société de l’Université de Porto.

  Almeida a reçu une reconnaissance internationale, notamment le Prémio Femina (2013), une mention honorable au Jutta Cuny Franz Memorial Award à Düsseldorf (2009), ainsi que plusieurs distinctions nationales. Son travail a été présenté dans des expositions et conférences à travers l’Europe, les Amériques, l’Asie et l’Australie, et figure dans des collections publiques et privées.

  Son développement professionnel a été soutenu par des bourses et financements de la Pilchuck Glass School, du studio du Corning Museum of Glass, de la Fondation Luso-Américaine et de la Fondation portugaise pour la science.

  Teresa Almeida’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Portugal. / La participation de Teresa Almeida à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade du Portugal.

• Luca Spano (Italy, 1982).

  Embracing a cross-disciplinary approach, Luca’s research focuses on the architecture of vision and representation. He looks at the processes employed to construct knowledge and manufacture systems of reality, in search of socio-anthropological connections between speculative practices, senses, visual information and language aesthetics.

  Within this frame he has developed ongoing conversations with scientific disciplines, exploring the uncertainty of both technology and human thinking. This often leads him to collaborate with institutions from different fields, developing open dialogues with scholars and researchers at the intersection between art and science.

  His practice generates outcomes primarily through photography, video, sculpture, installation and text. These components are used to create ecologies of interconnected references, spaces for contemporary poetics of the unknown.

  Luca holds a degree in Communication Science from Sapienza University in Rome, an MA in photography from London College of Communication in London and an MFA in Visual Arts from Cornell University in Ithaca, US.

  His work has been exhibited in museums, galleries and festivals such as La Triennale di Milano (IT), MACRO Museum of Contemporary Art of Rome (IT), BredaPhoto International Festival (NL), Savvy Contemporary, Berlin, Luis Adelantado Gallery, (ES), Caelum Gallery, New York, Institute of Italian Culture of Paris, RedLab Gallery (IT), Ethnographic Museum of Sardinia (IT), MAN Museum (IT), Bigaignon Gallery in Paris, IIC Montréal (CA) and Nivola Museum (IT).

  He has been artist in residence at the Fundacion Botin (ES), Künstlerische Tatsachen (DE), Kultur einer Digitalstadt (DE), Kunsthistorisches Institut in Florenz (IT), Deutsches Optisches Museum (DE), DIST Politecnico di Torino (IT) and visiting artist at Arts Letters and Numbers Residency (US). His work has received awards and grants such as The MEAD Fellowship (UK), the CCA Grant and Einaudi Research Grant (US), The John Hartell Award (US), the Graziadei Prize (IT), the New Work Grant by Prospect Art (US), the Strategia Fotografia grant in 2022 and 2024 and Promozione Fotografia all’Estero 2024 all from the Italian Ministry of Culture (IT).

  He taught cultural anthropology, art and photography in Europe and the US. He is currently full professor of photography at the Academy of Fine Arts of Sassari (IT), and professor of Digital Cultures and Aesthetics of New Media at the European Institute of Design (IT). Luca co-directed the photographic agency OnOff Pictures (IT) and the art organization NYC Creative Salon in New York. He is the founder of OCCHIO, a research lab focused on visual culture (IT). Luca’s work is part of private and public collections such as Museum MAXXI in Rome, GraziaDei Collection, Cornell University, Ethnographic Museum of Sardinia and MAN Museum.

  His last book is titled After the Last Image and it was published in 2023 by Mousse Publishing.

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  Luca Spano (né en 1982, Italie) est un artiste multidisciplinaire. Formé en Europe et aux États-Unis, il est titulaire d’un diplôme en sciences de la communication de l’Université Sapienza de Rome, d’un MA en photographie du London College of Communication et d’un MFA en arts visuels de l’Université Cornell à Ithaca (États-Unis). Son travail a été présenté à l’international dans des musées, galeries et festivals tels que la Triennale de Milan, le MACRO (Musée d’art contemporain de Rome), le BredaPhoto Festival (Pays-Bas), le Malta Festival (Pologne), Saavy Contemporary (Berlin), la galerie Luis Adelantado (Espagne), la galerie Paolo Erbetta (Italie), la galerie Caelum à New York, les Instituts italiens de culture de Paris et Hambourg, ainsi que l’Institut ethnographique régional supérieur de Sardaigne.

  Spano a participé à des résidences à la Fundación Botín (Espagne), NoArte Paese Museo (Italie), Künstlerischen Tatsache (Allemagne), Kultur einer Digitalstadt (Allemagne), et en tant qu’artiste invité à l’Arts Letters and Numbers Residency (États-Unis), entre autres. Il a reçu de nombreux prix et bourses, dont la MEAD Fellowship (Royaume-Uni), la CCA Grant et la bourse de recherche Einaudi (États-Unis), le John Hartell Award (États-Unis), le Graziadei Prize (Italie), le Premio del Paesaggio Regione Sardegna (Italie), le New Work Prospect Art Grant (États-Unis), ainsi que la Photography Strategy 2022 MiBACT (Italie).

  Il a été l’un des directeurs de l’agence photographique OnOff Picture basée à Rome, co-directeur de l’organisation NYC Creative Salon à New York, et fondateur de OCCHIO, un laboratoire de recherche et d’enseignement de l’image basé à Cagliari.

  Son travail figure dans des collections publiques et privées, notamment le MAXXI Museum de Rome, la collection de livres d’artistes de l’Université Cornell, la collection Graziadei, et l’Institut ethnographique régional supérieur de Sardaigne.

  Luca Spano’s participation at SCI_ART is generously funded by the Embassy of Italy. / La participation de Luca Spano à SCI_ART est généreusement financée par l'Ambassade de l’Italie.

• Formed at the ArtScience department of the Royal Academy of Art in The Hague (KABK), Yolanda Uriz developed a passion for merging science and art through perception. Her practice explores physical phenomena such as vibration, electromagnetic waves, and chemical molecules—elements we experience as sound, light, or smell—transforming them into multi-sensory immersive experiences.

  With a particular focus on the proximity senses of smell, taste, and touch, Yolanda Uriz currently concentrates her research on the synesthetic connections between sound and smell. By combining digital tools with DIY perfumery, experimenting with materials, and tinkering in the Fab-Lab, she seeks new ways to expand the margins of human perception.

  Her work takes the form of installations and performances presented internationally at festivals including Sonic Acts (NL), WRO Media-Art Biennale (PL), Kontraste (AT), STRP (NL), SPARK (USA), Todays Art (NL), ISEA (ES), and Ars Electronica (AT).

  Since 2013, Yolanda Uriz has been a member of iii, an artist-run collective that supports radical interdisciplinary practices engaging with image, sound, space, and the body.

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  Formée au département ArtScience de la Royal Academy of Art de La Haye (KABK), Yolanda Uriz a développé une passion pour la rencontre entre science et art à travers la perception. Sa pratique explore des phénomènes physiques tels que la vibration, les ondes électromagnétiques et les molécules chimiques — des éléments que nous expérimentons sous forme de son, de lumière ou d’odeur — qu’elle transforme en expériences immersives et multisensorielles.

  En mettant particulièrement l’accent sur les sens de proximité que sont l’odorat, le goût et le toucher, Yoland Uriz concentre actuellement ses recherches sur les liens synesthésiques entre le son et l’odeur. En combinant outils numériques et parfumerie artisanale, en expérimentant avec divers matériaux et en explorant les possibilités offertes par le Fab-Lab, elle cherche à repousser les limites de la perception humaine.

  Son travail prend la forme d’installations et de performances présentées à l’international, dans des festivals tels que Sonic Acts (Pays-Bas), WRO Media-Art Biennale (Pologne), Kontraste (Autriche), STRP (Pays-Bas), SPARK (États-Unis), Todays Art (Pays-Bas), ISEA (Espagne) et Ars Electronica (Autriche).

  Depuis 2013, Yolanda Uriz est membre de iii, un collectif autogéré d’artistes qui soutient des pratiques interdisciplinaires radicales engageant l’image, le son, l’espace et le corps.

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Artists / Artistes : Erick Oh (United States / États-Unis), Lau Wai (Hong Kong), Yu Shien Yang & Jin Keon (Taiwan / Taïwan), fleuryfontaine (France) + Total Refusal (Austria / Autriche)

Artengine (67, rue Nicholas Street)

Jacob Kirkegaard (Denmark / Danemark)

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Marc-Olivier Ducharme (Canada)

• Marc-Olivier Ducharme navigates the fault lines between humans and technology. At Sporobole, he designs shared digital infrastructures for the cultural sector, building networks where innovation thrives on collaboration. Passionate about open knowledge and critical of technological determinism, he dreams of technologies liberated from capitalism—just like androids probably dream of electric sheep.

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  Marc-Olivier Ducharme navigue sur les lignes de faille entre l’humain et la technologie. À Sporobole, il conçoit des infrastructures numériques partagées pour le secteur culturel, bâtissant des réseaux où l’innovation s’épanouit grâce à la collaboration. Passionné par le savoir libre et critique à l’égard du déterminisme technologique, il rêve de technologies affranchies du capitalisme — tout comme les androïdes rêvent probablement de moutons électriques.

Artengine (67, rue Nicholas Street)

Swamp_Matter (Netherlands – Slovenia / Pays-Bas – Slovénie)

Requires prior registration / Inscription préalable requise

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Fiona McDonald (Ireland / Irelande)

Club SAW (67, rue Nicholas Street)

Felix Lenz (Austria / Autriche)